Балет зародился четыре сотни лет назад, и на старте своей истории был лишь одним из видов увеселения европейских монархов. С тех пор многое изменилось: и мир, и танец.
Почти все виды искусства когда-то были элитарными, но сегодня выставки, спектакли, книги — принадлежат всем. Однако балет все еще остается тем жанром, до которого надо дорасти. Его называют высоким искусством. Но что это значит? Гид Киноафиши поможет в этом разобраться, а еще познакомит с главными именами балетной сцены и подскажет, с каких сюжетов стоит начать знакомство с этим изысканным танцем.
Что такое балет и почему он уже более 400 лет не выходит из моды
Балет многие называют искусством «не для всех». Но, кажется, чего-то универсального вообще для всех просто не существует. Даже прекрасные цветущие сады одних радуют, а у других вызывают приступ аллергии. В балете неопытного зрителя может отталкивать мысль о том, что понять действо без подготовки невозможно. На самом деле все немного иначе. Балет нужно чувствовать. Мы живем в эпоху, когда все принято осознавать и анализировать. Однако искусство играет совсем по другим правилам: для него нужно сначала открыть дверь в сердце, а не в разум.
В балетных спектаклях историю рассказывают не словами, а движением. Вместо реплик — пластика тела, вместо длинных монологов — музыка, а эмоции рождаются в миг слияния танца, света, оформления сцены и мастерства артистов. Даже если зритель впервые оказался в театре, он способен прочувствовать волшебность «Щелкунчика» или переживать за судьбу героев «Ромео и Джульетты». Балетмейстеры и композиторы давно научились подбирать ключи даже к самым закрытым душам.
За четыре столетия балет не просто менялся, он перерождался, видоизменялся и обретал новые формы. Особое место в истории этого искусства занимает Российская глава — подробнее об этом мы рассказали в отдельной статье о истории балета в России.
Что такое балет?
Не станем приводить определения из учебников. Все они сводятся к тому, что по своей форме балет — искусство, в котором историю рассказывают в танце и через танец. От иных театральных жанров его отличает то, что балет воздействует на зрителя сразу на нескольких уровнях: через музыку, хореографию, жесты, драматургию, актерское мастерство, сценографию и даже архитектуру пространства.
Из чего состоит балетный спектакль
Почти любая балетная постановка начинается с выбора либретто — литературной основы. Несмотря на то, что в балете нет слов, текст становится отправной точкой, опорой для раскрытия конфликта и понимания героев. Танец и музыка в балете работают как единое целое: звуки оркестра усиливают драматизм происходящего, движения артистов “рассказывают” историю. Оформление сцены — декорации, костюмы, бутафория и свет — создают атмосферу, помогают понять настроение, время и место действия.
Хореография
Танец — то, что отличает балет от всего остального искусства. Именно движение в балете определяет смыслы, передает зрителям невербальные сигналы и раскрывает суть истории. Каждый жест имеет значение. Иногда несколько движений могут сказать о чувствах героя больше, чем длинный театральный монолог. Поэтому работа балетмейстера требует не только умения выстраивать красивый рисунок танца, но и развитого эмоционального интеллекта.
Музыка
Если в драматическом театре музыка лишь дополняет действие, то в балете она становится его двигателем. Композитор буквально задает дыхание спектаклю: определяет ритм и настроение. Балетные произведения многих композиторов — Чайковского, Прокофьева, Стравинского и других — настолько образны и эмоциональны, что их часто, целиком или частично, исполняют в концертных залах.
Либретто
Либретто — это литературная основа спектакля, своего рода сценарий балета. В нем описываются события, указывают имена героев (участников событий), последовательность сцен и фабулу конфликтов. По объему либретто гораздо меньше привычной театральной пьесы. Либреттисты часто работают в тандеме с композитором, чтобы такт музыки точно попадал в ключевые моменты произведения.
Сценография
Как только открывается занавес, декорации подсказывают зрителю куда — в сказочный лес ли или в королевский дворец — перенесет их история. Лучи софитов направляют внимание и выделяют главное в каждом акте. Современные художники-постановщики используют видеопроекции, световые инсталляции, сложные механические конструкции и цифровые технологии — все это ради того, чтобы сделать сцену еще более живой.
Костюмы
Наряды артистов в театре многое рассказывают зрителю о персонажах: в какой эпохе они живут, каков их характер, возраст и статус в обществе. Балетный костюм имеет свои особенности — помимо вышеназванных характеристик он должен быть еще и удобным. Именно поэтому балет и драматическая постановка об одной и той же эпохе будут выглядеть по-разному: юбки с кринолинами и корсеты сегодня крайне редко используют в балетных спектаклях, так как они сильно сковывают движения, мешают поддержкам и делают па менее эффектными. Пачки, камзолы и трико позволяют двигаться легко и дают артистам возможность продемонстрировать все их способности.
Актерское мастерство
Многие считают, что участникам балетной труппы не нужно осваивать разные техники актерского мастерства. Они ведь “просто танцуют”. На самом же деле любой артист балета готовится к роли точно также, как и его коллега из драмтеатра. Нужно вжиться в роль, понять боли героя и передать это зрителям.
Публика должна поверить в любовь принца и Одетты и понять драму внутреннего конфликта Спартака, выраженные в жестах, движениях и взмахах рук.
Чем балет отличается от других сценических искусств
Искусство балета уникально. От артистов оно требует очень серьезной физической подготовки, от зрителей — умения чувствовать и, хотя бы на время, перестать стараться все и сразу осмыслить, от постановщиков — таланта объединять разные виды искусств и превращать их в цельное произведение.
Балет и опера
И балет, и опера рождаются на стыке музыки и драматического театра. Однако они выбирают говорить с публикой на разных “языках”. В опере историю доносят голоса. Даже если на сцене много движения, центральным остается вокал. В балете же главным становится танец. Персонажи не разговаривают и не поют — они выражают чувства пластикой тела.
Балет и мюзикл
Мюзикл объединяет в себе актерскую игру, пение и танцы. Слово и музыка — равноправны. Танец здесь — приятное и изящное дополнение. Балет строится иначе: сюжет развивается благодаря слиянию хореографии и музыки, а слов и вовсе нет. Танец — главный способ повествования.
Балет и современный танец
Современный танец (contemporary или просто «контемп») во многом основывается на классических балетных движениях, но часто игнорирует строгие академические правила. В балете существует четкая система позиций, прыжков и вращений, сформировавшаяся за четыре столетия его существования. Контемп гораздо моложе и свободнее. Танцовщики могут работать босиком, использовать естественные движения тела, контактную импровизацию и даже элементы из йоги. При этом многие современные балетные постановки могут включать элементы уже характерные для контемпа.
Балет и художественная гимнастика
Со стороны движения исполнителей в этих дисциплинах действительно схожи: изящные линии, высокие прыжки, сложные вращения. Однако балет и гимнастика отличаются в главном — в задаче, которую выполняет “артист”. Художественная гимнастика — это вид спорта, где каждое движение подчинено правилам, а чистоту исполнения оценивают баллами. Цель спортсмена — показать все, на что он способен. Балет — театральное искусство. Здесь никто не соревнуется за рейтинг в таблице, но всегда стремится превзойти самого себя. Задача танцовщика — рассказать историю в танце, слиться с музыкой и раскрыть художественный образ.
История балета: от придворных танцев до XXI века
Балету уже больше 400 лет. За эти долгое годы он успел сменить статус “забава для знати” на “высокое искусство”. Каждая эпоха добавляла танцу что-то свое: новые движения, музыку, сюжеты, сценические приемы. Менялись и представления о том, каким должен быть артист, а каким не должен. Именно поэтому современный балет одновременно хранит традиции XVII века и остается искусством, которое продолжает развиваться прямо сейчас.
Зарождение балета в Италии
Первый балетный спектакль был создан на севере Италии в эпоху Возрождения. Тогда при дворах устраивали масштабные празднования по поводу и без. В ходе постоянных творческих экспериментов музыка, танцы, поэзия и театр постепенно объединились и публике очень нравилось это слияние. Конечно, первые выступления были мало похожи на современный балет: придворные артисты не исполняли сложных прыжков и вращений. Их целью было подчеркнуть богатство и благородство хозяев, а танец стал формой.
Кстати и само слово «балет», восходит к итальянскому ballo. Так (а еще danza) называли танцы, которыми открывали пиры. После того, как Екатерина Медичи — большая любительница самых разных искусств — вышла замуж за будущего короля Франции Генриха II, она привезла в новый дом не только сундуки с приданым, но и балет.
Франция: появление профессионального балета
Именно во Франции балет окончательно оформился в отдельное искусство. Танец обрел свои особенные черты, характерные движения и терминологию. В XVII веке король Людовик XIV настолько увлекся балетом, что и сам регулярно выходил на сцену — выступал в придворных спектаклях. Именно за любовь к роли бога солнца его прозвали Королем-Солнцем. При нем же балет перестал быть развлечением исключительно для аристократов. В 1661 он основал Королевскую академию танца, где хореографам было велено превратить разрозненные движения в систему. Тогда были установлены правила, которым артисты всего мира следуют до сих пор.
Французский язык стал международным языком балета. Большинство терминов все еще звучат по-французски: плие, арабеск, фуэте. К XVIII столетию балет уже стал технически сложным и визуально изящным, но все еще не обрел цельный облик. Изменить это решил Жан-Жорж Новерр. Именно он высказался о необходимости сделать танец и драматургию едиными. Подробнее о его реформах мы рассказали ниже, в блоке о выдающихся хореографах.
Романтический балет XIX века
За век XVIII балет научился рассказывать истории, шагнув в XIX столетие он обрел волшебство. Именно в эпоху романтизма в спектаклях стали танцевать призраки, сильфиды, феи, заколдованные принцессы и другие фантастические персонажи. Балет стал искусством мечты, где в скучную реальность постоянно вмешивалось нечто сверхъестественное. Постановщики вдохновлялись сказками, мифами, легендами.
Усилилась роль кордебалета: зрителей завораживал танец, где множество прекрасных артисток изящно и в унисон друг другу кружат по сцене.
Балерина-солистка постепенно стала центральной фигурой спектакля. В это время артистки освоили танец на кончиках пальцев: благодаря чему у танца появился эффект полета, невесомости, что идеально подходило для фантастических героинь. Для того чтобы устоять на носочках и не получить травмы нужна была специальная обувь. Так в начале XIX века были созданы первые пуанты.
Символом эпохи и грядущих перемен стала итальянская балерина Мария Тальони. В балете «Сильфида» она ни разу не опустилась на стопу и буквально парила над сценой. Об этой постановке 1832 года говорили еще несколько лет, а Тальони навсегда изменила представление о женском танце. Чтобы выдержать такую нагрузку, для нее создали первые пуанты со стаканом — специальным жестким каркасом. Читайте в отдельном материале подробно об истории создания пуант и их “освоении”.
Расцвет русского балета
Балет родился в Италии, сформировался во Франции и переродился в России. Уже в XVIII веке при императорском дворе начали открываться первые балетные школы, где преподавали приглашенные иностранные мастера. Постепенно Петербург стал одним из главных балетных центров Европы. Свой особенный облик русский балет приобрел во второй половине XIX века.
Главной фигурой этого периода был французский хореограф Мариус Петипа, который почти всю свою творческую жизнь провел в России. Здесь он сформировал классический канон, ставший эталоном академического балета. Петипа ставил спектакли, в которых виртуозная техника сочеталась с масштабной драматургией, сложными ансамблевыми сценами и роскошной сценографией. Им были создано множество легендарных версий классических постановок: «Сон в летнюю ночь», «Баядерка», «Лебединое озеро».
Во многом на развитие мирового балета повлияло творческого сотрудничество Мариуса Петипа с композитором Петром Чайковским. Они не всегда ладили, но в их споре (и, возможно, желании доказать свою правоту) рождалось нечто прекрасное. До их первой совместной работы музыка служила лишь фоном к танцу. Чайковский доказал, что балетная партитура может и должна быть глубокой, эмоциональной и яркой. Первым их совместным спектаклем была «Спящая красавица», а чуть позже появился «Щелкунчик». Эти постановки стали классикой и сильно повлияли на развитие мирового балета.
Балет XX века: время экспериментов
Молодые хореографы все чаще спорили с академическими правилами, искали новые формы и доказывали, что публика готова следить не только за волшебными танцами, но и за осмыслением в хореографии реального времени. Одним из тех, кто изменил балет и прославил отечетственную школу на весь мир был Сергей Дягилев. Для создания его постановок он приглашал лучших художников времени — Пабло Пикассо, Анри Матисса, Александра Бенуа. Музыку писали Игорь Стравинский, Морис Равель и Клод Дебюсси. Именно благодаря «Русским сезонам» весь мир заговорил о русском балете как об уникальном художественном феномене.
В СССР балет вышел на новый виток своего развития. Изменился образ героя, стало больше постановок об исторических событиях и реальных человеческих судьбах. Одновременно продолжали жить и видоизменяться классические постановки XIX века. Именно в советскую эпоху были созданы легендарные «Золушка» Сергея Прокофьева и «Спартак» Арама Хачатуряна.
Ко второй половине XX века балет перестал ассоциироваться исключительно с историческими костюмами и сказочными сюжетами. Хореографы начали экспериментировать с формой, отказывались от сложных декораций, переносили действие в современность и искали новые способы разговора со зрителем. Истории русского балета мы посвятили отдельную статью, где рассказал о самых важных этапах его истории на отечественной сцене: от появления до наших дней.
Основные виды и направления балета
Сегодня балет — это искусство, которое находится в удивительном балансе между сохранением традиции и поиском нового. В репертуаре крупнейших театров по-прежнему соседствует постановок, которые впервые показали еще пару веков назад и спектакли, премьера которых состоялась буквально вчера. За долгую историю это искусство обрело собственные подвиды и продолжает разветвляться под воздействием времени, вкусов и школ.
- Классический балет — фундамент на котором построена академическая школа, ориентир для артистов по всему миру. Для классического балета характерны строгая техника, выверенные позиции рук и ног, танец на пуантах, симметричные композиции и высокая виртуозность исполнения. Движения подчиняются четким правилам, которые прописывались и утверждались веками. Несмотря на почтенный возраст, классический балет не устаревает. Хорошая постановка по-прежнему производит сильное впечатление — благодаря музыке, драматургии и стройности танца.
- Неоклассический балет возник в XX веке как попытка сохранить академическую технику, но избавиться от излишней декоративности. Хореографы отказались от многих привычных атрибутов: роскошных декораций, сложных костюмов, длинной пантомимы и сказочных сюжетов. В центре внимания для такого спектакля оказывается красота человеческого тела, пластика и взаимодействие танцовщиков. Основоположником неоклассического балета считается Джордж Баланчин, чьи постановки во многом изменили представление о возможностях академического танца.
- Современный балет часто путают со стилем танца contemporary. Однако между ними нельзя ставить знак равно. Контемп вырос из разных танцевальных направлений, включая классический балет, модерн и постмодерн. Здесь гораздо меньше жестких правил, а танцовщики свободнее работают с телом, дыханием, импровизацией и пространством. Артисты могут танцевать босиком, использовать естественные движения, падения, контактную технику и элементы других танцевальных стилей. При этом многие современные балетные спектакли часто используют элементы, характерные для контемпа.
- Интересно, но сегодня не каждый балет рассказывает историю. Бессюжетные постановки строятся вокруг музыки, ритма, пластики и композиции. Здесь нет главных героев, любовной линии или драматического конфликта — зрителю предлагают сосредоточиться на самом танце. В какой-то степени так балет возвращается к своим истокам.
- Еще один интересный и самый зрелищный поджанр — балет-феерия. Волшебные превращения, масштабные декорации, сказочные персонажи, необычные сценические эффекты — все работает на то, чтобы погрузить зрителя в фантастический мир. Именно в таком стиле созданы «Спящая красавица» и «Щелкунчик».
- В балете-драме главное — характеры и развитие сюжета. Здесь техническая виртуозность никогда не становится самоцелью. Каждый танец помогает раскрыть внутренний мир персонажей, показать их переживания и отношения.
- Вопреки распространенному мнению, балет не всегда бывает трагичным. Балеты-комедии строятся на юморе, недоразумениях, ярких характерах и живом темпераменте. В них больше легкости, игровых сцен и виртуозных танцевальных номеров, а финал, как правило, оказывается счастливым.
Как устроен балетный спектакль
Если воспринимать спектакль как особый язык, то у него есть своя грамматика. Начав разбираться в ней, зритель замечает все больше деталей, нюансов и отсылок. В силу того, что балет получил резкое развитие во Франции, в нем сохранилось много французской лексики. Зрителю вовсе не обязательно знать, как называется каждый взмах рукой. Однако, чтобы лучше понять это искусство и блеснуть знаниями перед соседом по креслу, будет полезно разобраться в основных структурных элементах.
Как мы уже отмечали, практически любой балет начинается с истории — либретто. По сути это краткое литературное изложение сюжета, на основе которого создается спектакль. Балетные постановки, также, как и драматические спектакли, делятся на акты. Каждый акт, в свою очередь, состоит из отдельных сцен, которые в балете принято называть картинами. Обычно между ними меняются декорации или место действия. Такая структура помогает постепенно развивать сюжет, чередуя масштабные ансамблевые сцены с камерными эпизодами.
Также в балете существуют отдельные название почти на все возможные формы танцевальных номеров.
- Вариацией называют сольный танец. Именно здесь артист может показать свое техническое мастерство: сложные вращения, прыжки, баланс и выразительность исполнения.
- Па-де-де — что в переводе с французского означает «танец двоих» — обычно исполняют главные герои (часто — влюбленные), а сам номер становится одной из кульминаций спектакля.
- Па-де-труа — танец трех исполнителей. Такие номера встречаются реже, но позволяют создавать сложные хореографические композиции и взаимодействие между персонажами.
- Па-де-катр, как вы уже могли догадаться, танец для квартета артистов. Его чаще всего включают в ансамблевые сцены, где важна симметрия.
- Адажио — это медленная, плавная часть танца. Здесь акцент делается на красоте линий, поддержках, пластике и эмоциональном взаимодействии партнеров.
- Если темп резко ускоряется, а артисты начинают выполнять невообразимо сложные элементы, значит перед вами кода — финальная часть большого танцевального номера.
- Также мастера балета выделяют дивертисмент — серия отдельных танцевальных номеров, которые могут быть почти не связаны с основным сюжетом, но позволяют показать мастерство всех участников.
- Пантомимой называют язык жестов и движений, с помощью которого герои «разговаривают» без слов. До появления современных балетных постановок именно пантомима помогала зрителям понимать сюжет, объясняла мотивы персонажей и передавала важные события. И сегодня такие сцены остаются важной частью многих классических спектаклей, особенно в балетах XIX века.
Внимание зрителей во время спектакля — да и цветы во время оваций — чаще всего достаются солистам. Однако кордебалет влияет на восприятие истории ничуть не меньше. Именно благодаря синхронности десятков артистов рождаются знаменитые «живые картины», которые делают действо столь зрелищным. В «Лебедином озере» именно кордебалет создает образ стаи лебедей.
Если вам хочется разобраться в том, как устроен балетный театр, и кто обитает за его кулисами, читайте нашу статью «Кто работает в балетном театре».
Главные балеты, которые должен знать каждый
Маленький совет (которому не обязательно следовать) — для первого знакомства с балетом лучше выбрать проверенную временем классику. Почему? Все просто. Театр не может жить без зрителя и если публика веками следит за одной и той же историей, значит она и правда заслуживает внимания. Кстати, если вы уже готовы отправиться на спектакль, мы сделали подборку классических балетов, которые можно увидеть в репертуаре российских театров в разных городах.
«Лебединое озеро»
«Лебединое озеро» — это, пожалуй, самый известный балет в мире. Музыку написал Петр Чайковский, а классическую редакцию спектакля создали Мариус Петипа и Лев Иванов. В центре сюжета «Лебединого озера» история принца Зигфрида и заколдованной принцессы Одетты, превращенной в лебедя. Любовь, обман, борьба добра и зла и знаменитый образ Белого и Черного лебедя сделали этот спектакль символом русского балета.
«Щелкунчик»
Без «Щелкунчика» сложно представить новогодние праздники. Музыка Чайковского, либретто по мотивам сказки Гофмана и волшебная атмосфера сделали эту постановку одной из самых любимых у зрителей всего мира. История начинается как семейная рождественская сказка, но постепенно превращается в путешествие по фантастическим мирам, где оживают игрушки, сражаются армии мышей, а сладости умеют танцевать.
«Спящая красавица»
«Спящая красавица» — роскошный балет эпохи Мариуса Петипа, впервые представленный публике в 1890. Музыка Чайковского, сюжет на основе знаменитой сказки Шарля Перро и грандиозные придворные сцены сделали спектакль легендарным. Именно здесь особенно хорошо видно все, за что любят академическую школу: торжественные ансамбли, сложные па-де-де, виртуозные вариации и великолепные костюмы.
«Жизель»
Для «Жизель» музыку написал Адольф Адан, а первый показ состоялся в Париже в 1841. Через сорок лет свою редакцию — уже в Петербурге — представил Мариус Петипа. Именно его вариация стала канонической. Сюжет основан на славянских мифах о виллисах — призраках невест, умерших незадолго до свадьбы. В первом акте зритель видит историю простой крестьянской девушки, влюбившейся в дворянина. Во втором действие переносится в мистический мир, где любовь оказывается сильнее смерти.
«Дон Кихот»
Один из самых знаменитых комедийных балетов — «Дон Кихот». Несмотря на название, главным героем спектакля становится вовсе не знаменитый испанский рыцарь. Постановка рассказывает историю второстепенных героев романа — Китри и Базиля, которым приходится бороться за право быть вместе. Музыку написал Людвиг Минкус, а классическую хореографию создал Мариус Петипа в 1869.
«Баядерка»
«Баядерка» — один из самых масштабных спектаклей Петипа, созданный им в 1877. Действие разворачивается в фэнтезийной Индии, где запретная, но искренняя любовь храмовой танцовщицы Никии и воина Солора сталкивается с ревностью, предательством и борьбой за власть. Читайте в отдельной статье о сюжете «Баядерки» и всех его поворотах.
«Ромео и Джульетта»
Балет по трагедии Шекспира «Ромео и Джульетта» с музыкой Сергея Прокофьева давно стал самостоятельной классикой. Композитору удалось создать одну из самых выразительных партитур XX века. Сегодня существует множество постановок этого произведения — от максимально классических до абсолютно современных интерпретаций.
«Золушка»
«Золушка» — еще один великий балет Сергея Прокофьева. В отличие от многих других сказочных постановок, здесь большое внимание уделено характерам героев. Конечно, зрителей ждут волшебство, бал во дворце и знаменитая хрустальная туфелька, но не меньшее впечатление производят юмор, тонкая психологическая игра и музыка, в которой сказка соседствует с настоящей человеческой драмой.
«Спартак»
«Спартак» стал одним из главных символов советского балета. Музыку написал Арам Хачатурян, а мировую известность спектаклю принесла постановка Юрия Григоровича для Большого театра. В основе сюжета — история предводителя восстания рабов Спартака, который бросает вызов могущественной Римской империи.
«Весна священная»
Когда в 1913 году в Париже состоялась премьера спектакля «Весна священная» на музыку Игоря Стравинского в постановке Вацлава Нижинского, публика оказалась шокирована. Непривычная музыка, резкие движения, отказ от привычной красоты классического танца вызвали настоящий скандал. Одни зрители освистывали артистов, другие аплодировали стоя. Сегодня именно эту — когда-то скандально известную — постановку считают одной из точек отсчета современного балета.
Композиторы, которые научили балет звучать
Танец невозможен без музыки. Конечно, зритель прежде всего следит за движениями, но именно музыка задает их ритм и тональность, помогает раскрыть характеры героев и делает историю эмоциональной. Если закрыть глаза во время балета, спектакль все равно продолжит существовать — образы будут рождаться в сознании. Роль композитора — автора музыки — важна не меньше, чем роль балетмейстера — автора танца. Потому их имена соседствуют в афишах.
Петр Чайковский
Петр Чайковский один из тех авторов, кто всегда ассоциируется с музыкой для балета. Дело в том, что до него музыка была фоном спектакля, а не его частью. Чайковский изменил сам подход и вывел звучание на передний план. Его партитуры стали психологически глубокими и невероятно выразительными.
Именно благодаря Чайковскому появились три балета, без которых невозможно представить мировую сцену: «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик». Каждый из них давно стал частью мировой культуры, а такие фрагменты, как «Танец маленьких лебедей», «Вальс цветов» или «Танец Феи Драже», знают даже люди, далекие от театра.
Сергей Прокофьев
Если музыка Чайковского подарила миру балета сказочное звучание, то Сергей Прокофьев научил ноты выражать сложные человеческие чувства. Его музыка наполнена мощной драматургией, яркими контрастами и необычайной кинематографичностью. Она словно ведет зрителя через историю, подчеркивая эмоции героев. Самые известные его балеты — «Ромео и Джульетта» и «Золушка». Музыка Прокофьева требует от артистов не только виртуозной техники, но и глубокого актерского мастерства. Именно поэтому его балеты остаются настоящим испытанием даже для самых опытных трупп.
Игорь Стравинский
В начале XX века Игорь Стравинский буквально перевернул представление о том, какой может быть балетная музыка. Его произведения были смелыми, резкими и непривычными для публики. Вместо мелодичности появились сложные ритмы, неожиданные акценты и мощная энергетика. Особенно громкой стала премьера его балета «Весна священная» в 1913. Спектакль вызвал настоящий скандал: зрители спорили, освистывали артистов, кричали прямо во время представления. Сегодня этот вечер называют одним из важнейших событий в истории искусства XX века. Не менее яркими были его «Жар-птица» и «Петрушка», созданные для «Русских сезонов» Сергея Дягилева.
Людвиг Минкус
Австрийский композитор Людвиг Минкус почти всю творческую жизнь работал в России и стал одним из главных авторов эпохи Мариуса Петипа. Его музыку иногда называют «идеальной для танца». Она ясная, ритмичная, удобная для хореографии и прекрасно подчеркивает виртуозность исполнителей. Самые знаменитые произведения Минкуса — «Дон Кихот» и «Баядерка». Оба спектакля уже более ста лет входят в репертуар ведущих театров мира и считаются обязательной частью классического наследия.
Адольф Адан
Имя французского композитора Адольфа Адана прежде всего связано с балетом «Жизель». Ему удалось создать музыку, которая одинаково убедительно звучит и в реалистичной истории первой любви, и в мистическом мире виллис. Именно этот контраст делает спектакль столь эмоциональным и запоминающимся. «Жизель» по праву считается вершиной романтического балета, а музыка Адана — одной из самых проникновенных партитур XIX века.
Лео Делиб
Лео Делиб стал тем автором, кто придал балетной музыке изысканности, свойственной оперным партиям. Его произведения отличаются удивительной мелодичностью, легкостью и богатством красок. Наибольшую известность композитору принесли балеты «Коппелия» и «Сильвия». Именно они стали важным этапом в развитии французской балетной школы и во многом подготовили почву для появления шедевров Чайковского.
Арам Хачатурян
Балеты Арама Хачатуряна невозможно спутать ни с чьими другими. Его музыка наполнена мощной энергией и восточными интонациями. Она создана для масштабных сцен, сильных характеров и ярких эмоций. Главное произведение композитора — «Спартак». Благодаря постановке Юрия Григоровича этот спектакль стал одной из визитных карточек Большого театра и всего советского балета.
Однако творчество Хачатуряна не ограничивается героическими сюжетами: его балет «Чиполлино», созданный по мотивам сказки Джанни Родари, показывает более легкую и игривую сторону музыки композитора. Яркие персонажи, остроумные танцевальные характеристики и запоминающиеся мелодии сделали эту постановку одним из самых популярных детских балетов.
Многие великие балетные партитуры давно вышли за пределы театральной сцены. «Танец маленьких лебедей», «Вальс цветов», «Танец рыцарей» или, например, финал «Весны священной» часто звучат в кино, рекламе, компьютерных играх, мультфильмах и на спортивных соревнованиях. Многие люди узнают эти композиции задолго до того, как впервые оказываются в театре.
Великие хореографы, изменившие историю балета
Балетмейстер — не просто автор хореографии. Это художник, который из разных красок (музыки и тишины, эмоций и жестов, света и тени) рисует ожившую картину на сцене. Именно он решает, каким спектакль увидит зритель. За четыре столетия история балета знала десятки выдающихся мастеров. Одни сформировали академические правила, которыми пользуются до сих пор, другие разрушали привычные каноны и доказывали, что искусство танца может быть совершенно другим.
Основоположники классического балета
Жан-Жорж Новерр
Одним из создателей принципов классического балета был Жан-Жорж Новерр. Этот французский хореограф в XVIII веке выступил против спектаклей, которые состояли лишь из набора эффектных танцев. Он считал, что зритель должен понимать происходящее без пояснений, а исполнителям нужно не только демонстрировать способности тела, но и уметь раскрывать личности персонажей. Свои идеи Новерр изложил в знаменитых «Письмах о танце и балетах», которые до сих пор считают одной из важнейших книг по теории хореографии. Новерра называют создателем балета-действия — спектакля, где сюжет развивается через танец, а не существует отдельно от него.
Мариус Петипа
Если Новерр придумал, каким должен быть балет, то Мариус Петипа показал, каким он может быть на практике. Француз по происхождению, он почти шесть десятилетий работал в России и создал спектакли, без которых сегодня невозможно представить мировые, а тем более отечественные, афиши. Именно Петипа окончательно сформировал каноны классического балета: масштабные ансамблевые сцены, виртуозные вариации, большие па-де-де, четкую композицию спектакля и сложную драматургию. Ему принадлежат постановки и редакции «Спящей красавицы», «Баядерки», «Дон Кихота», «Раймонды» и многих других спектаклей.
Реформаторы начала XX века
В начале XX столетия классический балет достиг своего совершенства. Тогда молодые балетмейстеры решили искать ответвления, придавая хореографии новые — свободные, эмоциональные, современные — пути для развития сюжета в танце.
Михаил Фокин
В числе первых, кто бросил вызов академическим шаблонам, стоял Михаил Фокин. Он считал, что каждый спектакль должен обладать собственной пластикой, а не использовать один и тот же набор движений независимо от сюжета. Фокин отказался от бессмысленной виртуозности ради виртуозности. Если спектакль рассказывал о Древнем Египте, движения должны были напоминать египетские изображения. Именно такой подход сделал его постановки для «Русских сезонов» Сергея Дягилева настоящей сенсацией.
Вацлав Нижинский
Еще один реформатор — Вацлав Нижинский. Сначала мир узнал его, как неординарного и безмерно талантливого артиста. Но не менее важным оказался вклад Нижинского как хореографа. В спектаклях «Весны священной» и «Послеполуденного отдыха фавна» Нижинский полностью отказался от типичной плавности и изящества академического танца. Движения исполнителей были угловатыми и резкими. Первые зрители были в замешательстве, но постановки вошли в историю, как “основоположницы” жанра балетного авангарда.
Бронислава Нижинская
Бронислава Нижинская — сестра Вацлава, которая долго оставалась в тени брата — создавала лаконичные, геометрически точные спектакли, где особое внимание уделяла ансамблевым сценам и архитектуре движения. Она стала одной из первых женщин-хореографов, сумевших добиться международного признания в профессии, где долгое время доминировали мужчины.
Создатели современной классики
Ко второй половине XX столетия выросло новое поколение хореографов, которым хотелось перевернуть правила игры. Так на смену масштабным историческим спектаклям пришли новые формы, а внимание все чаще сосредотачивалось на самом танце.
Джордж Баланчин
Джордж Баланчин (при рождении Георгий Баланчивадзе) стал основателем неоклассического направления в балете. Он родился в Петербурге, стал артистом Мариинки, создал собственную экспериментальную труппу, позже — выступал и создавал номера постановках «Русских сезонов» Дягилева. В Европе его заметил американский меценат и пригласил в США. В Нью-Йорке Баланчин создал собственную балетную школу. Он сохранил академическую технику, но избавил ее от декоративности. В его спектаклях практически нет сложных декораций и вообще может не быть сюжетных линий. Главным становится движение — чистое и точное. Точность достигалась благодаря чувству музыки — у Джорджа было музыкального образование. Он ввел партерный танец, как норму, что сегодня часто используют исполнители контемпа.
Важная деталь для понимания масштаба личности — за свою жизнь Баланчин создал около 300 балетов.
Кеннет Макмиллан
Если Баланчин отталкивался от звучания музыки, то британец Кеннет Макмиллан старался заглянуть вглубь героев и передать в танце особенности человеческой психологии. Его постановки исследуют внутренние конфликты, а драматизм часто важнее техники исполнения. Особенно известны его версии «Ромео и Джульетты» и «Манон», которые до сих пор считаются эталонными.
Фредерик Аштон
Фредерика Аштона считают одним из создателей британской балетной школы. Его спектакли отличаются особой музыкальностью, тонким юмором и необычайной легкостью исполнения. Именно благодаря Аштону репертуар Королевского балета Великобритании приобрел собственное лицо, отличающееся и от русской, и от французской традиции.
Морис Бежар
Француз Морис Бежар прослыл одним из самых смелых экспериментаторов XX века. Он свободно соединял классический балет с современной пластикой, философией, восточными практиками и музыкой самых разных жанров. Благодаря Бежару балет окончательно перестал восприниматься исключительно как искусство прошлого.
Джон Крэнко
Английский артист и балетмейстер Джон Крэнко вернул танец на сюжетные рельсы. Он показал, что литературная классика может быть основой для неоклассического балета. Особую известность получили его постановки по произведениям мировой литературы, где танец становится полноценным способом рассказать сложную историю.
Выдающиеся российские хореографы
Россия остается одним из мировых центров балета не только благодаря артистам, но и благодаря хореографам, которые продолжают развивать это искусство.
Юрий Григорович
На протяжении нескольких десятилетий Юрий Григорович определял художественное лицо Большого театра. Его постановки отличаются силой, напором, маскулинностью. На первый план он вывел танцовщиков. Именно его версии «Спартака», «Ивана Грозного» и «Щелкунчика» стали классикой советского и мирового балета.
Леонид Якобсон
Еще один именитый экспериментатор — Леонид Якобсон. Он искал новые пластические формы, вдохновлялся современной скульптурой, литературой и живописью, часто вступая в конфликт с консервативными представлениями о балете. В его работах редко можно было увидеть кордебалет. Он давал каждому отдельному артисту испытать собственную минуту славы, исполняя хореографические миниатюры. Итогом его творческого поиска стало создание собственной труппы, превратившейся в театр, который сегодня носит его имя.
Олег Виноградов
Олег Виноградов шел совсем по иному пути. Он тяготел к бережному сохранению наследия, любил масштаб и много внимания уделял слаженности кордебалета. Он многие годы был руководителем Ленинградского театра оперы и балета имени Кирова (ныне — Мариинского). Виноградов значительно расширил репертуар театра и поставил десятки спектаклей, сочетающих уважение к классике с интересом к современной хореографии.
Борис Эйфман
Пока большинство постановщиков старались рассказать историю через танец и музыку, Борис Эйфман отталкивался от исследования человеческой психологии. Его спектакли посвящены внутренним конфликтам личности, судьбам художников, писателей и исторических деятелей. Эйфман настолько последовательно развивал собственный стиль, что сегодня критики нередко говорят о «театре Эйфмана» как об отдельном художественном явлении.
Алексей Ратманский
Один из самых востребованных хореографов современности — Алексей Ратманский. Он работает с крупнейшими театрами мира, создает новые истории и реконструирует классические балеты прошлого. Благодаря его исследованиям зрители получили возможность увидеть многие знаменитые постановки максимально близкими к тому виду, в котором их задумывали первые авторы. С 2023 года он является постоянным хореографом главной балетной труппы Нью-Йорка.
Почему хореографов называют авторами спектаклей
Часто бывает так, что неопытный зритель покупает билеты спонтанно, увидев знакомое название в афише. Однако «Лебединое озеро» с хореографией Петипа и спектакль от Григоровича — это абсолютно разные спектакли. Да, в каждом их них будет играть Чайковский. Да, имена и истории героев будут прежними. Каждый балетмейстер меняет темп действия, расставляет акценты, сокращает или дополняет сцены, предлагает новую трактовку и иногда может позволить себе и создание новой концовки. Поэтому каждая постановка — это не просто повторение классики, а самостоятельное художественное высказывание. Именно поэтому в афише театров рядом с именем композитора всегда указывают имя хореографа.
Легендарные артисты балета, которых знает весь мир
Одни поражали невероятной техникой, другие — драматическим талантом, третьи меняли само представление о том, каким может быть танец. Мы не будем перечислять имена всех выдающихся артистов в этой статье, но кратко расскажем о тех, чей талант менял искусство и вдохновлял других.
Звезды XIX века: рождение культа балерины
На сценах романтической эпохи блистали “неземные” героини — легкие, воздушные, загадочные и чарующие. Балерины (особенно солистки) стали символом самого искусства, а в афишах часто упоминали имена исполнительниц, чтобы привлечь публику. Кстати, мы уже рассказывали в отдельном материале о великих балеринах, изменивших историю театра. Здесь же расскажем лишь о самых знаковых фигурах разных эпох.
Мария Тальони
Итальянку Марию Тальони — ту, что первой станцевала всю партию, стоя на кончиках пальцев — считают первой мировой звездой балета. Ее невесомая Сильфида настолько поразила современников, что публика буквально боготворила артистку. Именно после ее выхода окончательно утвердился танец на пуантах, что прежде многим казалось невозможным.
Фанни Эльслер
Если Тальони воплощала романтическую воздушность, то Фанни Эльслер покоряла темпераментом. Особенную славу ей принес испанский танец качуча, который стал настоящим хитом европейских сцен. Современники восхищались ее энергией, выразительностью и яркой актерской игрой.
Карлотта Гризи
Имя Карлотты Гризи навсегда связано с «Жизель». Именно она стала первой исполнительницей главной партии в этом балете, а созданный ею образ на долгие годы определил, какой должна быть героиня романтического спектакля.
Энрико Чеккетти
Итальянский артист балета Энрико Чеккетти прославился не только как выдающийся танцовщик, но и как педагог. Разработанная им система подготовки артистов оказала огромное влияние на мировую балетную школу. Многие принципы его методики используются и сегодня.
Легенды русского императорского балета
Конец XIX — начало XX века стали временем, когда центром развития мирового балета стала Россия. Лучшие хореографы со всего мира приезжали, чтобы обучать артистов. Так рождались исполнители, чьи имена до сих пор знает весь мир.
Матильда Кшесинская
Матильда Кшесинская была одной из самых знаменитых балерин своего времени. Она прожила почти сто лет и почти все из них она посвятила искусству. В балет она пришла в 8 лет. Доросла до статуса примы императорских театров. Первой в России исполнила 32 фуэте подряд. Выступала в «Русских сезонах» Дягилева. В годы революции эмигрировала в Европу, где открыла собственную школу и воспитала целое поколение новых артисток. Ее жизнь до сих пор вдохновляет писателей, режиссеров и историков.
Анна Павлова
Пожалуй, ни одна балерина не сделала столько для популяризации балета, сколько Анна Павлова. Она гастролировала по всему миру (вместе с «Русскими сезонами»), выступая в странах, где прежде никогда не видели классический балет. Ее миниатюра «Умирающий лебедь», поставленная Михаилом Фокиным, стала одним из самых узнаваемых номеров в истории танца. Даже спустя более ста лет этот образ остается символом балетного искусства, а ее именем называют десерты, самолеты, растения и многое другое.
Вацлав Нижинский
Мы уже упоминали имя Вацлава Нижинского в блоке про выдающихся балетмейстеров, однако изначально он прославился, как артист. Современники говорили, что он умел “останавливать время”, потому что он замирал в воздухе. Он выступал на сцене Мариинки, но после скандального увольнения (он был первым, кто вышел на сцену в обтягивающих трико, что смутило зрителей в царской ложе), Вацлав не перестал танцевать, был ведущим артистов труппы Дягилева. Его феноменальные прыжки, артистизм и пластика сделали танцовщика настоящей легендой еще при жизни. Многие считают его основоположником мужского танца, который получит свое развитие уже в XX веке.
Тамара Карсавина
Еще одна звезда «Русских сезонов» Сергея Дягилева — Тамара Карсавина. Она блистала как в классических партиях, так и в смелых экспериментальных постановках. После революции Карсавина уехала в Лондон, где не бросила сцену и стала одной из главных личностей, эпохи возрождения балета. Ее работы сильно повлияли на облик британского классического танца.
Великие артисты XX века
XX век стал эпохой перемен. Артистам нужно было искать новые способы завоевания зрительского внимания и самовыражения.
Галина Уланова
Галину Уланову часто называют воплощением русской балетной школы. Ее Джульетта, Жизель и Одетта стали эталонными для нескольких поколений артистов. Современники вспоминали, что Уланова обладала удивительным даром — заставляла зрителей забыть о технике и видеть перед собой не балерину, а живого человека.
Майя Плисецкая
Майя Плисецкая стала символом балета советского времени. Особую известность получили ее партии в «Кармен-сюите», «Анне Карениной», «Лебедином озере» и «Болеро» Мориса Бежара. Плисецкая не боялась экспериментировать и доказала, что балерина может оставаться великой артисткой далеко за пределами привычного сценического возраста. Читайте в отдельной статье о творческом пути Майи Плисецкой.
Рудольф Нуреев
Рудольф Нуреев изменил представление о значимости мужских партий. Его выходы были яркими и очень сложными технически. Он родился в Башкирии, где и сегодня помнят и чтут его имя.
Михаил Барышников
Михаил Барышников покорил крупнейшие мировые сцены, снимался в кино, работал с современными хореографами и стал одним из самых узнаваемых танцовщиков планеты.
Наталья Макарова
Еще одна легендарная балерина — Наталья Макарова. Она блистала на всех отечественных сценах, но в 1970, во время гастролей в Лондоне, решила не возвращаться. В эмиграции она построила блестящую карьеру и стала прима-балериной ведущих театров мира. В 2025 ей вручили награду одного из самых престижных фестивалей танца в Америке, за жизненные достижения.
Марго Фонтейн
Марго Фонтейн — главная звезда британского Королевского балета. Ее дуэт с Рудольфом Нуреевым считается одним из величайших партнерств в истории танца.
Эрик Брюн
Датского танцовщика Эрика Брюна коллеги называли эталоном мужской классической техники. Его стиль оказал огромное влияние на развитие мирового балета. В Торонто проходит ежегодный конкурс, за приз его имени.
Алисия Алонсо
Несмотря на серьезные проблемы со зрением, кубинская балерина Алисия Алонсо продолжала выходить на сцену и стала легендой мирового театра. Последний раз она станцевала в 75 и даже полностью потеряв зрение, продолжала руководить труппой. Ее история до сих пор считается примером невероятной силы характера и преданности искусству.
Звезды конца XX — XXI века
Сегодня в балете множество звезд с мировым именем. Артисты гастролируют, снимаются в кино и рекламе, становятся героями документальных фильмов и собирают многомиллионную аудиторию в социальных сетях. Среди самых известных исполнителей последних десятилетий — Сильви Гиллем, Дарси Басселл, Карлос Акоста, Светлана Захарова, Диана Вишнёва, Ульяна Лопаткина, Роберто Болле, Полина Семионова, Марьянела Нуньес и Николай Цискаридзе.
Спектакли со временем меняются, декорации обновляются, хореография получает новые редакции. Но имена великих исполнителей продолжают жить, а их образы и техника — вдохновлять новые поколения.
Самые знаменитые балетные театры мира
Это места, которые стали легендами. Сцены, где хотят выступить ведущие артисты со всего мира, потому что именно там их ремесло превращалось в большое искусство. Оказаться в зрительном зале одного из этих театров для многих поклонников балета — такая же мечта, как и увидеть звездных солистов.
Большой театр в Москве
Если спросить иностранца, с каким театром у него ассоциируется Россия, ответом почти наверняка будет Большой театр. Его историческое здание стало одним из символов столицы. Но мировую известность театр получил не благодаря архитектуре, а благодаря постановкам и артистам труппы.
Здесь проходили премьеры многих советских спектаклей, которые позже вошли в золотой фонд мирового искусства. На его сцене выступали Галина Уланова, Майя Плисецкая, Николай Цискаридзе и многие другие. Для миллионов зрителей по всему миру Большой театр остается синонимом русского балета.
Мариинский театр
Если Большой театр — сердце столичного балета, то Мариинский — душа петербургской школы. Именно здесь долгие годы работал Мариус Петипа, создавая спектакли, которые позже стали классикой мирового репертуара. Здесь впервые кружили в танце под многие произведения Чайковского, Минкуса и Прокофьева, а сама труппа всегда славилась безупречной академической подготовкой.
Сегодня Мариинский театр остается одним из главных мировых центров классического балета, где особенно бережно относятся к историческим постановкам.
Парижская опера (Опера Гарнье)
Этот театр стал местом, где балет набирал силу, пока не превратился в профессиональное искусство. История театра тесно связана с Людовиком XIV, который был бесконечно влюблен в это искусство танца и способствовал созданию первой профессиональной балетной школы. Спустя века это все еще одна из главных балетных сцен мира. Артисты труппы славятся филигранной техникой и пристальным вниманием к чистому исполнения классического репертуара.
Королевский балет (Лондон)
Балет Великобритании один из самых молодых в мире. За сравнительно короткое время существования — отсчет становления современной традиции ведут с 1926 — ей удалось завоевать мировое признание. Труппа Королевского балета в авангарде всего британского хореографического искусства. Они базируются в знаменитом театре Ковент-Гарден, где классический репертуар соседствует с современными постановками.
Американский театр балета
American Ballet Theatre — один из самых известных в США. Его особенность заключается в очень обширном репертуаре. Здесь можно увидеть и классические спектакли Петипа, и работы Баланчина, и эксперименты современных авторов. Театр сыграл огромную роль в популяризации балета в Северной Америке.
Ла Скала
Миланский театр Ла Скала чаще ассоциируется с оперой, однако его балетная труппа входит в число сильнейших в Европе. Здесь сформировалась одна из старейших балетных школ Италии, а репертуар объединяет классические спектакли, современные постановки и реконструкции исторических балетов. До сих пор приглашение танцевать в Ла Скала является знаком признания на международном уровне.
Венская государственная опера
Балет Венской государственной оперы — яркий пример того, как можно быть разным: сохранять традиции и оставаться открытым новому. В репертуаре — классика XIX века соседствует с работами крупнейших современных хореографов. Именно на этой сцене проходит ежегодный Венский оперный бал, куда приглашают артистов и балетмейстеров со всего мира.
Конечно, это не полный список важных балетных сцен. Но именно эти театры были и остаются своеобразными ориентирами для всего балетного мира. Их спектакли становятся событиями международного масштаба, а приглашение в одну из этих трупп считается вершиной карьеры.
Балет в России: почему именно здесь он стал национальным искусством
Балет появился не в России и тем удивительнее, что именно здесь он получил огромное развитие и всегда был окутан зрительской любовью. В красках и подробностях мы рассказали в другом материале историю отечественной хореографии, здесь — тезисно отметим самое важное.
Почему в России стала мировой балетной державой
Первые балетные спектакли появились в России еще в XVII веке, но настоящий расцвет начался столетием позже, когда при императорском дворе стали открываться театры и профессиональные школы. В Петербург приглашали лучших европейских педагогов и хореографов, а балет постепенно превратился в одно из главных искусств Российской империи. Многие преподаватели из других стран надолго задерживались в России, знакомились с местной культурой и вносили коррективы в каноны. К началу XX века русская школа уже считалась одной из сильнейших в мире, а «Русские сезоны» Сергея Дягилева окончательно закрепили этот статус.
Русская школа и система Вагановой
С годами уже в Россию приезжали артисты из других стран, чтобы освоить технику движения. Одной из балетных педагогов, ради классов которой артисты преодолевали многие километры, была Агриппина Ваганова. Она — балерина и педагог — разработала систему обучения, которая объединила лучшие достижения французской, итальянской и русской школ.
Сегодня ее система используется далеко за пределами России и считается одной из самых авторитетных в мире. По ней продолжают обучаться тысячи будущих артистов.
Современные российские труппы
Сегодня Россия остается одним из лидеров в мире балета, а развитие искусства на территории страны происходит далеко за пределами двух столиц. Помимо Большого и Мариинского театров, сильные балетные труппы работают в Перми, Казани, Самаре и других городах. Многие региональные театры активно включаются в культурный диалог, гастролируют по стране и за ее пределы, приглашают молодых постановщиков и артистов.
Как стать артистом балета
Балет — одно из тех искусств, для которых нужно “родиться”. Чем больше это искусство развивается, тем выше требования к артистам. Однако сцена знает немало историй, когда труд и старательность приводили артистов к вершинам и овациям. В отдельной статье мы рассказали где учатся и как становятся артистами балета.
Как смотреть балет новичку
Многие годами откладывают поход в театр лишь потому, что боятся быть лишними. Однако театр без зрителя просто невозможен. Чтобы насладиться постановкой вовсе не обязательно знать профессиональные термины, уметь по одному лишь взмаху отличать артистов или наизусть знать сюжет. Вот несколько советов, которые помогут получить удовольствие даже от первого в жизни спектакля.
Выберите правильный спектакль
Начните с классики. Эксперименты (особенно самые смелые) нацелены, как правило, на уже знающего зрителя, который сможет заметить моменты слома привычной ткани спектакля. Хорошими вариантами для первого раза будут:
- «Щелкунчик» — если хочется сказки и праздничной атмосферы;
- «Лебединое озеро» — если хочется увидеть главный символ классического балета;
- «Дон Кихот» — если любите яркие, темпераментные спектакли.
На что стоит обращать внимание
Новички часто смотрят балет как спортивное соревнование: оценивают, кто выше прыгнул или дольше простоял на одной ноге. Однако в танце важнее не это. Попробуйте обратить внимание на то, как взаимодействуют герои, как музыка меняет настроение сцены, какой эмоцию несут в себе движения кордебалета. В зрительном зале очень важно не бояться и не стесняться испытывать эмоции. Хороший спектакль заставляет смеяться, переживать, восхищаться, грустить или плакать. И если вы забыли о технических элементах и полностью погрузились в историю — значит, артисты сделали свою работу по-настоящему хорошо.
Стоит ли заранее читать сюжет?
Это не обязательно, но может стать точкой опоры для понимания происходящего. В отличие от детектива, балет не строится на неожиданной развязке. Главная ценность спектакля не в том, что произойдет, а как это будет рассказано. Поэтому перед походом в театр уделите пять–десять минут знакомству с либретто. Тогда во время спектакля вы сможете сосредоточиться не на попытках уловить суть, а на музыке, танце и актерской игре. Кстати, на «Киноафише» уже есть подробные разборы сюжетов «Лебединого озера», «Спящей красавицы», «Баядерки» и других знаменитых балетов.
Несколько интересных фактов о балете
Возможно эти истории покажут, что балет не скучное творчество для тех, кто относит себя к высшему обществу, а очень живое и изменчивое искусство. Артисты, хореографы, художники и другие специалисты из разных эпох делали все, чтобы удивить свою самую разную публику.
Почему на пуантах танцуют только женщины?
Как мы отмечали выше, пуанты появились вместе с образами, которым нужна невесомость — феи, сильфиды, призраки. Все это женские героини, поэтому танец на кончиках пальцев стал неотъемлемой частью женских партий. Мужская хореография строится на другом: высоких прыжках, вращениях, поддержках и силовых элементах. Однако сегодня — в экспериментальных спектаклях — хореографы могут сознательно “обуть” мужчин в пуанты, чтобы превратить это в художественный прием.
Сколько весит балетная пачка?
С расстояния зрительского кресла, кажется, что классическая балетная пачка весит не больше чем одна порция сладкой ваты. Но это иллюзия. Современные профессиональные пачки весят в среднем от 1 до 3 килограммов. Кажется, немного, но если учесть, что артистке нужно выполнять в них сложнейшие прыжки, вращения и поддержки, становится понятно, почему вес постоянно хотят снизить. На изготовление одной пачки могут уйти десятки метров тюля и несколько дней ручной работы.
Сколько пар пуантов использует балерина за сезон?
Ответ зависит от театра, репертуара и интенсивности выступлений. Артисты кордебалета могут использовать несколько десятков пар за сезон, а ведущие солистки крупнейших театров — более сотни. Некоторые знаменитые балерины признавались, что за карьеру снашивали тысячи пар пуантов. Мастеров, которые создают пуанты не очень много. Чаще всего их создают по индивидуальным меркам. Именно поэтому профессиональная балетная обувь — одна из самых больших статей расходов любого театра.
Какой балет считается самым длинным, а какой самым коротким?
Один из самых продолжительных балетов в истории написал Чайковский. Полная версия его «Спящей красавицы» длится около четырех часов. Ненамного короче классические постановки «Баядерки» и «Дон Кихота». Такая внушительная длительность дает постановщикам возможность выбирать отдельные сцены и опускать менее выразительные, на их вкус. Это позволяет создавать совсем разные истории и делает спектакли комфортнее для зрителей.
Кстати, одной из самых коротких балетных миниатюр является уже упомянутый номер «Умирающий лебедь», который был создан специально для Анны Павловой. Этот танец длится менее пяти минут. Однако этого оказалось достаточно, чтобы он вошел в историю мирового искусства.
Балет в культуре и массовом искусстве
Балет — культурный феномен. В рамках стен театра (пусть даже лучшего в мире), ему тесно. Сюжеты, музыка и образы давно вышли за пределы сцены и стали частью мирового контекста.
Кинематограф не раз обращался к балету — иногда как к красивому фону, а иногда как к главной теме. Одни фильмы показывают закулисье театра и ежедневный труд артистов, другие используют балет как метафору красоты, одержимости или стремления к совершенству. В последние годы интерес режиссеров к этой теме только растет, а балет все чаще становится частью сериалов и художественных фильмов.
Еще задолго до появления кино художники пытались передать красоту танца на холсте. Эдгар Дега, посвятил балету десятки полотен. Его картины показывают не только блеск сцены, но и репетиции, усталость артистов, ожидание выхода и повседневную жизнь театра.
Балет появляется в русской и зарубежной классике, современных романах, мемуарах и биографиях. Одни авторы рассказывают о закулисной жизни театра, другие используют балет как символ красоты или зеркало эпохи. Отдельное место занимают книги самих артистов — воспоминания Майи Плисецкой, Рудольфа Нуреева, Натальи Макаровой и других выдающихся танцовщиков будто приоткрывают дверь в балетное закулисье.
Сегодня элементы балета можно увидеть в современной хореографии, фигурном катании, художественной гимнастике, клипах, в рекламных кампаниях… повсюду! Так балет, которому уже больше четырех веков, продолжает оставаться частью культуры.
Балет часто называют искусством для избранных. На самом деле это один из самых универсальных театральных языков, который не требует перевода. За более чем 400 лет балет пережил смену эпох, художественных стилей и технологий, но не утратил главного — способности доносить смыслы и чувства без слов, полностью захватывая внимание зрителя.
